【ピアノ】譜読み力を劇的に向上させるための完全ガイド：基礎から応用まで

【ピアノ】譜読み力を劇的に向上させるための完全ガイド：基礎から応用まで

► はじめに

 

譜読みは、ピアノ演奏の基礎となる重要なスキルです。

本記事では、初級者から上級者まで、あらゆる段階の学習者が譜読みの技術を向上させるために必要な要点をまとめました。基本的なアプローチから、メロディの解釈、ハーモニーの理解、さらには作曲家特有の表現方法まで、網羅的に解説していきます。

これらの要点を意識しながら読譜することで、譜読みはより深く正確になっていくことでしょう。

 

► 曲目索引

 

本記事で取り上げている楽曲の一覧です。特定の楽曲からお探しの方は、曲名で「ページ内検索（Ctrl+F または Cmd+F、スマホでも可能）」をかけることで、該当箇所へ素早くアクセスできます。同一楽曲が複数の項目で扱われている場合もあります。

 

 J.S.バッハ 

「平均律クラヴィーア曲集 第1巻 第10番 ホ短調 BWV 855 より プレリュード」

モーツァルト

「ピアノソナタ 変ロ長調 K.281 第1楽章」
「ピアノソナタ 変ホ長調 K.282 第3楽章」
「ピアノソナタ ト長調 K.283 第1楽章」
「ピアノソナタ ハ長調 K.309 第2楽章」
「ピアノソナタ イ短調 K.310 第1楽章」
「ピアノソナタ イ短調 K.310 第2楽章」
「ピアノソナタ イ短調 K.310 第3楽章」
「ピアノソナタ イ長調 K.331 第3楽章 トルコ行進曲付き」
「ピアノソナタ 変ロ長調 K.333 第1楽章」
「ピアノソナタ ハ短調 K.457 第1楽章」
「ピアノソナタ ハ短調 K.457 第3楽章」
「ピアノソナタ 変ロ長調 K.570 第1楽章」
「ピアノソナタ 変ロ長調 K.570 第3楽章」
「ピアノソナタ ニ長調 K.576 第2楽章」
「きらきら星変奏曲」

ベートーヴェン

「ピアノソナタ 第9番 ホ長調 Op.14-1 第2楽章」
「ピアノソナタ 第17番 テンペスト ニ短調 Op.31-2 第3楽章」
「ピアノソナタ 第23番 熱情 ヘ短調 Op.57 第1楽章」
「ピアノソナタ 第30番 Op.109 第1楽章」

シューベルト

「楽興の時 第4番 D 780/4 Op.94-4」
「ピアノソナタ 第7番 変ホ長調 D 568 第4楽章」
「ピアノソナタ 第21番 D 960 第1楽章」

ショパン

「エチュード（練習曲）ハ短調 Op.10-12 革命」
「エチュード（練習曲）変イ長調 Op.25-1 エオリアンハープ」
「エチュード（練習曲）嬰ハ短調 Op.25-7」
「ノクターン 第7番 嬰ハ短調 Op.27-1」
「ワルツ 第2番 変イ短調 Op. 34-1 華麗なる円舞曲」
「ワルツ 第5番 変イ長調 Op.42」
「ノクターン 第13番 ハ短調 Op.48-1」
「ポロネーズ 第6番 変イ長調 Op.53 英雄」
「ワルツ 第7番 嬰ハ短調 Op.64-2」

シューマン

「謝肉祭 より ドイツ風ワルツ – 間奏曲（パガニーニ）」
「ピアノソナタ 第2番 ト短調 Op.22 第1楽章」
「ピアノソナタ 第3番 ヘ短調 Op.14 第4楽章」

リスト

「バラード 第2番 ロ短調 S.171」

ブラームス

「6つの小品 より ロマンス ヘ長調 Op.118-5」

チャイコフスキー

「四季 12の性格的描写 より 10月 秋の歌」

グリーグ

「アリエッタ Op.12-1」

ドビュッシー

「子供の領分 より 雪が踊っている」
「前奏曲集 第2集 より 月光の降りそそぐ謁見のテラス」

グラナドス

「ゴイェスカス より 愛と死（バラード）」

スクリャービン

「24の前奏曲 変ロ短調 Op.11-16」

ラフマニノフ

「前奏曲 ト短調 Op.23-5」
「音の絵 変ホ短調 Op.39-5」

ラヴェル

「夜のガスパール より 絞首台」
「ハイドンの名によるメヌエット」
「高雅で感傷的なワルツ 第8ワルツ」
「クープランの墓 より メヌエット」

プロコフィエフ

「ピアノソナタ 第1番 ヘ短調 Op.1」
「ピアノソナタ 第3番 古い手帳から イ短調 Op.28」
「子供の音楽－12のやさしい小品 より 月が牧場に昇る Op.65-12」

武満徹

「雨の樹素描 II－オリヴィエ・メシアンの追憶に－」

 

► A. 基本アプローチ

‣ 1. 譜読みから仕上げまでのロードマップ

 

【① 楽曲を好きになることからスタート】

 

いきなり譜読みをしていくのもいいですが、まずは、その楽曲を好きになるところからスタートするのがポイントです。

すでに感じたことがあるかもしれませんが、好きな作品のほうがあまり好きでない作品よりも仕上がり良いことが圧倒的です。楽曲を好きになれば練習に熱が入ることは間違いありません。

「好きになる」というのは本能的なものもありますが、意図的に好きになるように持っていくこともある程度は可能です。

 

「単純接触効果」という言葉を耳にしたことはありますか。

それほど好きなものではなくても、何度も接すると好感度が高まる効果のことです。例えば：

・友達が取り組んでいる楽曲を自分も弾きたくなってしまう
・防音マンションで、隣の部屋からいつも聴こえてくる作品を自分も弾きたくなってしまう

などといった経験は筆者にもあります。

「単純接触効果」がうまく働くと、接触した楽曲が好きになります。優れたピアニストの演奏を繰り返し聴くのがいいでしょう。自分の一番好きなピアニストがその作品を録音してくれていればベストです。

「譜読みする前に同じ楽曲を何度も聴くと、イメージがつき過ぎて良くないのでは？」という心配は要りません。イメージがつき過ぎてどうこうの前に、その楽曲を好きになってください。楽譜を枕元に置いて寝て欲しいくらいです。

 

 

【② 片手ずつ運指を決めていく】

 

続いて、運指を片手ずつ丁寧に決めていきましょう。

もちろん暫定で構いませんが、「ひとまず、これでいく」という決定をしましょう。それをせずに弾く度に運指が変わってしまうと、練習が積み重なりません。

 

パッセージによっては：

・両手で分担して弾いたほうがいいところ
・上段の音符だけども左手で取ったほうがいいところ
・またその逆

なども出てくるはずです。したがって、片手の運指のみを一気に決めるのではなく「右手を一段決めたら、左手も一段」のように区切って、ある程度同時進行的に決めていくといいでしょう。

 

さらに言うと、運指付けの段階で「ここはこういう風に弾きたい」などと楽曲の中身を読み取っていく姿勢を持ちましょう。

運指付けというのは音楽の読み取りと表裏一体なのです。

 

 

【③ 片手ずつ、そして両手でゆっくりと音を拾っていく】

 

暫定の運指が決まったら、片手ずつ、そして両手でゆっくりのテンポで音を拾う練習へ入りましょう。この段階までに音楽的な部分の読み取りがある程度進んでいることが理想です。

 

 

【④ おおむね弾けるようになったら、一度録音してみる】

 

両手であわせておおむね弾けるようになったら、一度、通しで録音してみましょう。

・音楽的に不自然なところ
・理想のテンポとどれくらい差があるのか

これらを客観的に把握します。

そして、録音の結果をヒントに細かいところを詰めていきましょう。「理想」と「録音結果（現実）」とのギャップを埋めていきます。

 

中々テンポが上がらないところは、「短く区切って速く弾く練習」なども取り入れてみてください。

 

 

【⑤ 本番で暗譜するかどうかに関係なく、一度暗譜する】

 

その楽曲の学習が進んできたら、本番で暗譜するかどうかに関係なく一度暗譜をしましょう。そうすることで音楽の理解が深まりますし、テクニック的にも安定します。

 

 

【⑥ 暗譜ができたら、一度、机上で楽譜を読み直す】

 

暗譜をしていることによる演奏者自身にとってのデメリットとすると、「楽譜に書かれている細かなことを忘れている可能性がある」という部分があります。

 

暗譜をしているので：

・音高
・リズム
・大まかなダイナミクス

などは覚えているでしょう。一方、人間は忘れる生き物なので、譜読みをしたときには意識していた：

・細かなアーティキュレーション
・さりげなく書かれている音楽用語

などを忘れている可能性があります。

机上で楽譜を読み返すことで、こういった抜け落ちを発見しましょう。

 

楽曲への理解が深まったこの段階だからこそ、「楽曲分析（アナリーゼ）」をやり直すのもおすすめ。曲を始めた頃には気づかなかった新たな発見も出てくるはずです。

 

 

【⑦「通し練習 → 部分練習」の繰り返しで仕上げていく】

 

「通し練習 → 部分練習」の繰り返しで仕上げていきます。

本番へ向けて「スポット（単発）レッスン」や「参考書籍」などを取り入れることで、他者の視点からのアプローチも反映させるといいでしょう。

当然、この段階になっても：

・ゆっくり練習（拡大練習）
・通し練習の録音チェック & 改善

これらは適宜取り入れるべきです。

 

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当たり前のように思えることだったかもしれませんが、もし完成度高く仕上げたいのであれば、これらすべての過程を大切に学習していきましょう。

重要なのは、指の動きを覚えていく段階で音楽自体の読み取りも大切にする姿勢です。音程とリズムを読んだだけで満足しないことが大切です。

 

‣ 2. 譜読みを効果的に行う四つのポイント

 

「速く」読めるようになることも目指すべきですが、むしろ「正しく読むこと」のほうをより重視すべきです。なぜなら、譜読みの仕方によっては「悪いクセ」がついてしまうから。

 

・アーティキュレーションを適当に読んでしまうクセ
・間違った音のまま読み、手に動きを覚えさせてしまうクセ

これらのようなクセをつけてしまうと、後ほど修正するのに骨が折れます。一度覚えてしまったものを修正してクセを抜くのは、イチから譜読みするよりも大変だと踏まえておいてください。

 

そこで本項目では、「正しく」なおかつ、その中で「できる限り速く」譜読みをするために必要なポイントを解説していきます。

 

 

【① 短い単位に区切って読む】

 

譜読みでは、短い単位に区切って何度も何度も同じところを読んでいくのが効果的。

効率よくおおむね弾けるところまでもっていくためには、今弾いたところを忘れないうちに、もう一度弾くことが重要です。こうすることで記憶定着に直結するので有効なのです。

また、このような方法で譜読みをすると短い単位に集中できるので、臨時記号の見落としなどにも気づきやすく、正しい譜読みも目指せます。

 

 

【② 複数曲あるなら「皿回しによる譜読み」】

 

同時にいくつかの楽曲の譜読みをする場合には、「皿回しによる譜読み」をおすすめします。

1曲をまるまる終わらせてから次の曲へ移るのではなく、「ある程度の単位を集中して読んだら別の曲を数小節読む、そしてそれを回していく」ということ。

①で紹介した、「短い単位に区切って、何度も何度も同じところを読んでいく」という方法を一つの単位として、それらを回していくのです。

 

この方法をとることで、飽きずに譜読みを続けられるというメリットがあります。譜読み方法自体にバリエーションを持たせましょう。

 

 

【③「繰り返し」のセクションは要注意】

 

楽曲の中には「繰り返し」がたくさん出てきますが、譜読みの段階で「繰り返し」を見つけたらやっておくべきことがあります。それは：

・全くそのまま繰り返されているところ
・似ているけれども、やや変化が加えられているところ

これらをしっかりと区別して整理しておくということ。そうすることで、後ほど「暗譜」をする際に役に立ちます。

 

譜面を見て弾いている段階では、正直、こういったことを意識しなくても弾けてしまいますが、一方、暗譜ではそうはいきません。

場合によっては、「音程自体は全くそのまま繰り返しているけれども、ダイナミクスのみ変化している」という例もあるので、注意深く読む必要があります。音を読むだけでなく、こういった細かなニュアンスも読み取っていくのが譜読みです。

 

 

【④ 事前に簡単なアナリーゼを】

 

特に中級以上の学習段階の方は、自分なりのやり方で構わないので、譜読みをするよりも前に簡単なアナリーゼをしておくことをおすすめします。そうすることで、深く効率もいい譜読みを目指すことができます。

楽曲分析について学びたい方は、以下の学習パスを参考にしてください。

ピアノ学習者向け体系的学習パス完全ガイド

 

‣ 3. 譜読みで読み取るべき5つのポイント

 

【拍の整理をする】

 

ベートーヴェン「ピアノソナタ 第30番 Op.109 第1楽章」

譜例（PD楽曲、Sibeliusで作成、12-13小節）

多くの学習者が陥りがちなのが、「拍を整理できていない状態で音源で聴いたままに何となく弾いてしまうこと」です。譜読みの段階で拍の感覚がいい加減にならないように注意しましょう。

最終的に多少自由に演奏する可能性はあるにしても、まずは譜例のように、「各拍のどの位置にどの音価が入ってくるか」を譜読みの段階で丁寧に整理しておくべきです。それをしておかないと、楽曲の骨格が歪められてしまいます。

 

 

【聴かせる音と隠す音を見分ける】

 

音型が細かく動いている場合、それらの音のカタマリの中から：

・聴こえて欲しい音
・響きに隠したい音

これらを的確に弾き分けていかなくてはいけません。

 

モーツァルト「ピアノソナタ 変ロ長調 K.333 第1楽章」

譜例（PD楽曲、Sibeliusで作成、5-6小節）

・丸印で示した音は、対旋律的要素であり「聴こえて欲しい音」
・それ以外のC音は「響きに隠したい音」

となっています。

カギマークのところのように、同じ音に停滞する部分と動いている部分とが同居しているところというのは、ある意味、2声的な書法と言え、対旋律的要素が隠れている可能性が高い注目ポイントです。

 

【「ウタ」の表現はメロディだけではない】

 

グリーグ 「アリエッタ Op.12-1」

譜例（PD楽曲、Sibeliusで作成、曲頭）

1〜2小節にかけてのメロディでは、G音が5回連続で「同音連打」されています。音楽的には2小節目冒頭のG音に向かってふくらませていきます。親切にクレッシェンドが書かれていますが、仮に記譜がなかったとしても、このような箇所ではどの音に向かうのかを読み取って表現すべきです。

ここで重要なのは、ウタは必ずしもメロディの流麗さで表現されるとは限らないということです。「メロディ自体は停滞させておいて、ダイナミクスで表現をつける」というのは、それ自体が十分にウタの表現であることを踏まえておきましょう。

 

 

【「あいまいな音価」に注目】

 

作曲家がいきなり5連符を使ったりと、あいまいな表現を求めた瞬間を見逃さないようにしてください。

そして常に、「そのあいまいな要素はなぜ出てきたのか」を考えるようにすると、ニュアンスを決定する手がかりになります。例えば：

・フッとはぐらかすような表現が欲しかったのかもしれない
・後ほど何度も出てくる5連符を「伏線」として出したのかもしれない
・あいまいな要素で「ウタの表現」として聴かせたかったのかもしれない

などと、様々なケースが考えられます。

 

 

【作曲家が残した「言葉による指示」を見落とさない】

 

武満徹「雨の樹素描 II－オリヴィエ・メシアンの追憶に－」の高音域部分に、「Celestially Light」という言葉による指示が出てきます。Celestially Light というのは、あえて日本語にするのであれば「天上の光」という意味でしょう。

こういった、「書いてなくても成立はするけれども、書いてあることでグッと音楽の世界へ引き入れてくれる言葉」には譜読みで敏感に反応しなければいけません。

 

楽譜というのは、「音程」「リズム」はある程度の正確さを持って書き表せますが、「音色」などにいたっては書けないことが多くあります。そこで作曲家は、時には「言葉」も使って伝えようとしているわけです。

 

・武満徹「雨の樹素描 II－オリヴィエ・メシアンの追憶に－」

 

 

 

 

 

 

‣ 4. とにかく、楽典的なミスだけは無くす

 

新しい作品を譜読みしていくにあたって、まずは楽典的なミスだけはなくすように心がけましょう。例えば：

・小節内有効臨時記号を見落としている
・1拍足りていないのに、気づかずに次の小節へ進んでいる
・リピートが多い作品で、トバす位置を間違えている

などといったもの。

 

これらは、楽典を理解したうえで丁寧に譜読みをすれば避けることのできるミスです。楽典的なミスは、一人でも知識を持ったうえで時間さえかければ大部分を回避できます。

 

‣ 5. メロディの理解が楽曲の理解に直結する

 

創作面から演奏表現について考えてみましょう。

 

ピアノアレンジをするときに踏まえるべきことのうち代表的なものは、原曲のメロディを理解することです。

アレンジ（編曲）では、原曲の伴奏の在り方などはともかく、原則メロディを変えてはいけません。そこで、変えてはいけないそのメロディをよく理解して、内容に反しないアレンジをしていくことになります。

 

・「このメロディに16ビートの伴奏はどう考えても合わないな」
・「このメロディはヤマがココだから、伴奏の厚みもそのようにコントロールしよう」

などをはじめ、メロディの理解なくしてはクオリティの高いアレンジはできないでしょう。

 

だからこそ、演奏をする方にとっても本当の意味で力になる基礎として、書籍「楽式論  石桁真礼生 著（音楽之友社）」における「第1編 楽節」と「第2編 基礎楽式」の内容をしっかりと学習することを提案しています。メロディについて、動機レベルから理解する力をつけることができるからです。

メロディを深く理解すると、それ以外の要素も驚く程よく見えてきます。

 

・楽式論  著：石桁真礼生 / 音楽之友社

 

 

 

 

 

 

‣ 6. たっぷり歌うべきところを見つける三つのヒント

 

リスト「バラード 第2番 ロ短調 S.171」

譜例（PD楽曲、Finaleで作成、139-140小節）

譜例のカギマークで示したところは、たっぷり歌うべきところです。判断基準はいくつかあります：

・伴奏などの音響を完全にペダルで切り、Soloになっているから
・同じ小節内のメロディにおいて、唯一跳躍を含むから
・ダイナミクスの松葉が書かれているから

 

 

【伴奏などの音響を完全にペダルで切り、soloになっているから】

 

3-4拍目はメロディがSoloになるので、左手が2分休符になっているそれぞれの小節の3拍目でダンパーペダルを離すか、あるいは踏み替えましょう。

Soloのところはメロディが裸になるのでしっかりと表現する必要があり、その判断ポイントになります。

 

 

【同じ小節内のメロディにおいて、唯一跳躍を含むから】

 

（再掲）

ここでのメロディは非常に歌唱的な要素が強い印象。歌手にとって、音の跳躍の演奏にはエネルギーが要ります。同じ小節内のメロディにおいて、カギマークで示したところは唯一跳躍を含むので、たっぷり歌う判断ポイントです。

ダイナミクスこそ大きくありませんが、歌手がオペラ的に歌っているイメージで演奏するといいでしょう。

 

 

【ダイナミクスの松葉が書かれているから】

 

ひとつながりのメロディにおいて、一部分だけに松葉が書かれているということは「そこを表現してほしい」という作曲家のメッセージだと捉えて下さい。

 

‣ 7. 頭ん中にメロディの流れを叩き込む

 

ラフマニノフ「音の絵 変ホ短調 Op.39-5」

譜例（PD楽曲、Finaleで作成、曲頭）

楽曲によって伴奏の在り方は様々ですが、譜例のようにたくさんの伴奏音が出てくる場合もあります。

まずこういったところで注意しなければならないのは、メロディのフレーズが短くなったり、その流れがなくならないように気をつけること。たくさん書かれている雄弁な脇役の音に意識がとられてしまい、メロディを発音したらもう聴かなくなってしまいがちです。しかしそれでは、フレーズの長さも流れもなくなってしまいます。

 

打鍵し終わった音に関して、以下の図における丸印のところですでに聴くのをやめてしまっていませんか。

 

（図）

 

出し終わったメロディ音を、次のメロディ音が出てくるまできちんと聴き続けましょう。それをしないと、上記の懸念点だけでなく、伴奏音をどのようなバランスで弾いていけばいいかをコントロールすることもできません。

 

ここまでを踏まえたうえで、譜読みの際に実行すべきなのは、「頭ん中に、メロディの流れを叩き込む」という事前準備です。

「どんなメロディか分かっている」というだけでは足りません。「そのメロディのフレーズの長さ、流れをしっかりと理解している」というところに到達するまで、メロディのみで弾くなり歌うなりしてその内容を理解しておいてください。

 

特に、譜例で取り上げたようなラフマニノフなどの作品では、息の長いフレーズのメロディに対してトゥーマッチと言いたくなるほどたくさんの伴奏音がつけられている作品も多くあります。したがって、本項目の内容を踏まえて演奏しないと「フレーズがブツブツ切れているメロディが聴こえてくるだけ」などといった雑な仕上がりになってしまいます。

 

‣ 8. 譜読みで気をつけるべき「小節内有効臨時記号」

 

【ショパン「革命のエチュード」でよく起きている譜読み間違い】

 

ショパン「革命のエチュード」では、譜読み間違いがよく起きている要注意スポットがあります。

 

ショパン「エチュード（練習曲）ハ短調 Op.10-12 革命」

譜例（Finaleで作成、7小節目）

譜例で、3拍目の大音符表記にした音、ここはフラットではなくナチュラル。間違えて演奏している方が本当に多い印象です。1拍目のナチュラルがまだ有効なので、気をつけましょう。

 

 

【「ロシアもの」の小節内有効臨時記号に注意】

 

「ロシアもの」の作品、特に、プロコフィエフやラフマニノフに取り組む時には、「同じ小節内での有効臨時記号」に要注意。

これらの作曲家の作品では、臨時記号がたくさん出てくるうえに、ゆっくり弾いていると合っているのか間違っているのか分かりにくい曲が多く、相当注意しないと譜読みミスが発生します。

 

‣ 9. 初〜中級者に多くみられる譜読み間違い例

 

譜読み間違いのうち多く見られるのは：

・1箇所だけ拍を倍でとってしまう
・1箇所だけ拍を半分で数えてしまう
・しかし、次の小節へ進んでしまう

というケースでしょう。つまり、「拍のカウントを間違えていても気づかずにいる」ということです。

楽譜を読むのも一種の訓練なので、学習を積み重ねていけば減らすことができます。

 

一つ良い対策があります。

メトロノームで、各拍とは別に「1小節ごとにチンと違う音を鳴らしてもらう（各小節頭だけ違う音を鳴らしてもらう）」という機能を取り入れてみるのは効果的です。ずっとやらなくてはいけないわけではなく、新しい楽曲の譜読みが終わったら「拍のカウントを間違えて譜読みしていないかのチェック」のために1度取り入れて弾いてみるといいでしょう。

1小節ごとにチンと違う音が鳴れば、拍を倍でとってしまっていたり半分で数えてしまっている箇所を、すぐに洗い出すことができます。

 

もし、お持ちのメトロノームにそういった機能がない場合は、オンラインで用意されている無料のメトロノームを使ってみましょう。

 

‣ 10. フランス作品 : 譜読みにおける臨時記号の注意点

 

黄色い楽典と言われる有名な参考書である、「楽典―理論と実習  著 : 石桁真礼生 他 / 音楽之友社」には、「臨時記号はその段のみに対して有効であり、1オクターブ上下に対しては無効」といった趣旨のことが書かれています。

一方、フランスの出版社によるいくつかの楽譜では、楽典的には「臨時記号が1オクターブ上下に対しても有効」というものもいくつかあります。

これが、出版社単位での統一ではなく、作品単位となっているので厄介なのです。エチュードなどで何作品か見つけました。

 

マニアックなフランス作品に取り組んでいる時に「この音正しいのかな？」と怪しい箇所が出てきたら、「臨時記号の1オクターブ上下が有効だったら？無効だったら？」という視点を持って、音源などもあわせて確認してみましょう。

 

‣ 11. ワルツ作品の譜読みのヒント

 

ワルツには様々な作品がありますが、比較的多くの作品に言えることがあります。

「ワルツは大体4小節単位でできている」ということ。

 

単純なことではありますが、これは譜読みにとって役に立つのです。具体的には：

・楽曲分析の最初に、4小節ずつ線を入れていく
・4小節単位になっていないところだけチェックする
・4小節単位になっていないところは、縮小されているのか、拡大されているのか確認する

こういったことを行っておくだけで、縮小や拡大を見抜けるうえに、後ほど暗譜をスムーズに進められます。

 

‣ 12. 広音域にわたるアルペジオの譜読みの仕方

 

ラフマニノフ「前奏曲 ト短調 Op.23-5」

このような広音域にわたるアルペジオでは、以下の3点を踏まえて練習してみてください：

・上がり下がりを分けて練習する
・片手のみで速く弾けるようにする
・アルペジオのほうの手のみ暗譜してしまう

 

 

【上がり下がりを分けて練習する】

 

（譜例）

譜例を参考に、上がりと下がりを分けて練習して、ピカピカにしてからそれらをつなぎ合わせてください。このような広範囲にわたるアルペジオの場合は特に。

やってみると分かるのですが、この方法により上手く弾けていないところを洗い出すことができます。つなげて弾いていると気づきにくい部分も、区切って練習すると発見できるというわけです。

上がりは一息で上がり、下がりは一息で下がる。そして、つなぎ合わせたら上がり下がりを合わせてひと息で弾きましょう。

 

 

【片手のみで速く弾けるようにする】

 

広範囲にわたるアルペジオの場合はポジションの移動があるため、音が身体に入るまでは音を拾うのに気をとられてしまいます。

片手で弾いてもたどたどしい状態なのに両手で合わせていると、音に慣れにくいばかりか、必死なので譜読みミスが起きても気づきにくくなります。

片手のみで音楽を作れるくらいピカピカにしておいてから両手でゆっくり合わせるようにしましょう。そうすると、結局、仕上がりは上をいきます。

 

 

【アルペジオのほうの手のみ暗譜してしまう】

 

加えて、譜読みをはかどらせるコツがあります。

アルペジオのほうの手で弾く音のみ先に暗譜してしまいましょう。

広範囲にわたるアルペジオの場合はポジションの移動があるため、手も楽譜も見ないで弾けるくらいの慣れをつくっておかないと、音を拾うのに精一杯。それ以外のことに気が回りません。

上記内容と組み合わせて、「片手のみ、暗譜で速く弾けるようにしておく」ように進めてみましょう。そして、その過程で上がり下がりを分けて練習すると効果が上がります。

 

► B. 実践的なコツと心構え

‣ 13. 毎日必ず譜読みの時間を作る

 

おおむね譜読みが済んだ作品を弾き込むのは大切ですが、それだけでなく、毎日の学習の中に必ず譜読みの時間を作って新しい作品に触れる時間も取り入れるべきです。時間は長くなくてもいいので、その代わり「毎日行う」のがポイント。

弾ける作品が増えていく利点もありますが、新しい作品へのアプローチは現在弾き込んでいる作品に対しても新しい見方を与えてくれるでしょう。

ピアノの学習のうえではすべての作品は相互に影響し合い、作品が作品を助けてくれます。だからこそ、すでにある程度知っているものを弾くだけでなく「毎日、新しい楽譜を読む」という過程を練習に取り入れるべきなのです。

 

「新しい作品から音楽を知る」という考え方をもっと取り入れると、学習がもっと充実することを実感してください。

 

‣ 14. 譜読みは「精読」と「多読」の両面から

 

譜読みは「精読」と「多読」の両面からアプローチするのがおすすめです。

これまでの経験上、どちらか片方だけの「ばっかり」だと譜読みの力は上がりにくいと感じています。

学習者がそれぞれ自身に合ったやり方を見つければいいのですが、「精読」と「多読」を「7:3」くらいの時間割合でやっていくのが、譜読みの力をつけるためにもレパートリー形成のためにも良い目安になってきます。

 

「精読」として、「搾り取れるだけ搾り取ってやろう」と思うような腰を据えて学ぶ楽曲を、常に自分のそばに置いておきましょう。そのうえで、「自分が興味ある楽曲」などを「多読」の教材として譜読みしていきます。

多読の教材としては、「自分の今までのレパートリーから遠い距離にある音楽」をおすすめします。その過程で「コレ」という良い作品が見つかったら、それを精読用の楽曲にスライドさせてもいいでしょう。

 

ピアノの練習は積み重ねです。取り組んでいる練習が「積み重ねているつもり」で終わらずに実際に積み重なっていくように、練習内容やそのバランスを考えていきましょう。

 

‣ 15. 皿回しで譜読みする

 

いつも同じ譜読みの仕方をしていると、飽きてしまったり新鮮味がなくなってしまいます。

そこで、「皿回し」にするのがおすすめです。

 

例えば、「A、B、C、D、E、F 」という6曲を練習する場合、1日3曲にして2日に分けたほうが効率は良くなります。加えて、「A、A、B、B、C、C」などと1曲を長く練習するよりも、「A、B、C、A、B、C 」というように皿回しにした方が新鮮味を保った練習ができます。

 

‣ 16. 譜読みでは「微妙な違い」に敏感になる

 

ラヴェル「高雅で感傷的なワルツ 第8ワルツ」

譜例（PD楽曲、Finaleで作成、45-49小節）

イエローマーカーで示したように、たった5小節間だけでも「4種類」の「似ているけれど、ちょっと異なる音型」が出てきます。

・45小節は、「下」から「オクターヴ」で「上がる」「アルペッジョ」
・46小節は、「上」から「オクターヴ」で「下がる」「16分音符」
・47小節は、「上」から「オクターヴ」で「下がる」「装飾音混じり」
・49小節は、「上」から「2オクターヴ」で「下がる」「装飾音混じり」

 

これらのすべてにおいて：

・役割的には「装飾的な脇役」で
・「オクターヴの響き」を軸とし
・音程は「H音」のみ

 

しかし、ラヴェルはわざわざ書き分けたのです。それぞれのニュアンスの違いを自分なりにでも考えて弾き分けないといけません。

例えば視点はどうなるかというと：

・なぜ、45小節と47小節だけ「気分タイ」がついているんだろう？そうなると、46小節と49小節は「乾いた響き」にすべきかな
・46小節と47小節は、共に上からオクターヴで下がるから、「音域の差」以外にも「音価の差」をはっきり弾き分けないといけないだろうな
・「ひっかける音」と「着地する音」のうち、4パターンそれぞれ、どの音に重みが入ると音楽的かな
・4パターンそれぞれ、音域も少しずつ違うから「軽さ」を変えてみたほうがいいかな

など、作曲家が書き分けた「ちょっとした違い」を無駄にしないように丁寧に読んでいきましょう。

 

‣ 17. 表現の違いを理解するためには、弾き比べ、聴き比べが外せない

 

モーツァルト「ピアノソナタ イ短調 K.310 第3楽章」

譜例（PD楽曲、Finaleで作成、167-174小節）

譜例の部分を見たり聴いたりしてみましょう。リズム的な工夫面はどういった部分にあると思いますか。

一見、特に工夫はなさそうにも見えますが、バス音をよく見てみると、終止小節を除けばカギマークで示した二つの小節のみ、バス音による1小節に二つのビートが入っていることに気づくと思います。何となく作曲していたら何となくこうなったのではなく、やはり確信犯でしょう。

こういったところは、ただ弾いていると、ただ通り過ぎてしまいます。表現の違いを理解するためには、弾き比べ、聴き比べが必要。

 

まずは、ゆるやかなテンポでもいいので譜例の部分を弾き通してみて、バス音によるリズムが変わったところへ意識的に耳をやってください。そういったことを繰り返しやっていると、耳が開いてきて、他の楽曲でも似たような響きを “自分一人で” 発見できるようになります。

 

どうしてこれらの小節だけバス音が4分音符なのかについては、以下の2点のいずれかによるでしょう：

・143小節目から続いてきたエピソードを締めくくるのにオチをつけたかった
・161-162小節や165-166小節の左手で演奏されるリズムを引っ張ってきた

 

‣ 18. その作曲家があまり使わなかった特徴に目をつける

 

例えば、モーツァルト「ピアノソナタ イ短調 K.310 第1楽章」では、モーツァルトにしては珍しく ff と pp が出てきます。

原典版で学習している方は気づいていると思いますが、モーツァルトは一部の例外を除き、多くのダイナミクスを f  と p で表現しました。

 

「新版 モーツァルト 演奏法と解釈」著 : エファ&パウル・バドゥーラ=スコダ 訳 : 堀朋平、西田紘子 監訳 : 今井顕 / 音楽之友社

という書籍では、以下のように解説されています。

 

要するに、そんな中で、わざわざ ff や pp を使用したというのは、そこに、作曲家の強い意志が見えるわけです。

 

時々、どんな作品でも「f のところをあえて p で弾いたりする解釈」をすることがありますね。しかし、上記のようなケースではそういった解釈が入ってくる余地はありません。作曲家がわざわざ ff と書いているからには ff なのです。

作曲家があまり使わなかった特徴に目をつけると、このようなことが見えてきます。

 

別の例としては、J.S.バッハは「半音階的幻想曲とフーガ ニ短調 BWV903」の中で減和音を多く用いていますが、普段の彼はあまり用いなかった和音です。

 

このような、「その作曲家にとって珍しい特徴」にどんどん目をつけていきましょう。そのためには比較対象が不可欠なので、多くの作品を知っている必要もあります。

 

・新版 モーツァルト 演奏法と解釈　著 : エファ&パウル・バドゥーラ=スコダ 訳 : 堀朋平、西田紘子 監訳 : 今井顕 / 音楽之友社

 

 

 

 

 

 

‣ 19.「自分の解釈を」という言葉に悩まされないコツ

 

「自分の解釈を」などと言われても、何をどうやっていいか分からないこともあるのではないでしょうか。

とりあえず、ムリヤリ解釈をつけようとしなくて大丈夫です。それよりもまずは、楽譜に書かれていることを細部まで素直に読み取って素直に表現することをやってみてください。

 

同じ楽譜を使っても、演奏する人物が異なれば、全く同じ演奏が生まれることはありません。これが楽譜の不完全さなのですが、ある意味、良い面でもあります。楽譜を丁寧に読み取って表現すれば、とりあえず他の人と異なる自分の演奏にはなるのです。「解釈」という言葉に悩まされずに、まずは、ここを目指してみてください。

 

そこから先どうするかは学習するしかありませんが、まずは楽譜を丁寧に読み取ることなしに独自の解釈なんてあり得ません。

 

‣ 20. 作曲家が書き残したものを作品から運び去らない

 

前項目でも書いたように、作曲家の残したことを理解せずにその楽曲の解釈なんてものは成立しません。

 

「ピアノ演奏芸術―ある教育者の手記」 著：ゲンリッヒ・ネイガウス　訳：森松皓子 / 音楽之友社

という書籍に、以下のような文章があります。

 

この「運び去っている」という部分に気をつけて譜読みをすることが重要です。

さほど悪気はなくても、相当注意していないと、楽譜に書かれていることを見落としたり、忘れたり、軽視してしまいます。意識して、そういった部分をできる限り減らしていきましょう。そうすることで、仮に自分の考えていることを反映したい場合にも、作曲家の書いたそれが良い土台になってくれてひとりよがりの演奏ではなくなります。

よく、「楽譜通りに弾いても良い音楽にはならない」と言われます。半分はそうとも言えますが、もう半分は、大体ソルフェージュの話なのです。

・小節線で囲われていたらアゴーギクが表現できないとか
・すべての音符に表情があるのに、すべての音符にダイナミクスが書かれているわけではないとか

このようなこと。そうではなくて、今回言っているのは：

・作曲家が明らかに音楽のエネルギーを前へ進めているところなのに、遅くしてしまわない
・細かな動きで明るい情景を表現しているであろうところで、音色を暗くしない

などをはじめとした、もっと視野を広げた話です。

 

・ピアノ演奏芸術―ある教育者の手記　著：ゲンリッヒ・ネイガウス　訳：森松皓子 / 音楽之友社

 

 

 

 

 

 

‣ 21. 頭で分かっていることをいかに音にするか

 

モーツァルト「ピアノソナタ イ短調 K.310 第1楽章」

譜例（PD楽曲、Finaleで作成、109-112小節）

譜例のところからは、左手パートが2声に声部分けされて、音楽が横流れに変わります。

このときに問題となるのは、「頭で分かっていることをいかに音するか」ということ。「2声」と分かっていても、「2声」と楽譜へ書いておいても、全部の音が鳴っていて同じに聴こえていたら意味ありません。

音楽へ右脳と左脳の話題が頻繁に持ち込まれますが、ある程度楽曲のことを理解するまでは頭で考えてしまって構いません。そして、「頭で理解したことを音にするためにはどうすればいいか」というその先を探る部分を省略しないようにしましょう。

 

（再掲）

譜例の左手パートの場合、レッド音符で示した2分音符はテヌート気味に弾きたい重要音ですが、一番欲しいのは、やはりバスラインです。つまり、バス以外の内声に出てくる4分音符の扱いがポイントであり、これらがうるさくなると2声には聴こえなくなってしまいます。

 

右手パートの点線で囲んだ部分も、記譜上は声部分けされていませんが「2声的な書法」になっています。小指で演奏する同音連打される音と、他の指で演奏する動いているメロディとのバランスを示さないと、ただの1声のドタバタした動きに聴こえて終わってしまいます。

ここでは、欲しい音を意識して打鍵し、ウラの隠れて欲しい音は余力でついでに触っていくだけ、というイメージをもつと上手くいくでしょう。

 

いずれにしても、頭で分かっていることを音するためには意識が必要です。

その楽曲の練習初期のうちはやや大げさ目に表現の弾き分けを行って、その部分が音楽の成り立ちとしてどうなっているのかというのを自分の身体へ叩き込んでください。

 

‣ 22. 雑な譜読みから抜け出す

 

「おわらない音楽 私の履歴書」 著：小澤征爾 / 日本経済新聞出版

という書籍の中に、以下のような一文があります。

 

指揮者は室内楽作品などを振ることもありますが、上記の文章はおそらく「オーケストラスコアを勉強するときのこと」でしょう。この姿勢だけは自身の中に残して欲しいと思っています。

ピアノソロでは編成も異なりますし、ここまで時間をかけなくても構いませんが、一度振り返ってしてください。

譜読みが雑になってしまっていませんか？

 

雑になってしまう理由は大きく二つです：

① 練習時間が短く、ざっとやるだけになってしまう
② 雑になっていること自体に気づいていない

 

これらに関しては、先ほどの抜粋が参考になると思います。数小節に絞って、以下のことを丁寧にチェックしましょう：

・一番聴かせるべきはどの音なのか
・隠すべき音はどれなのか
・どの指遣いが適切なのか
・短いフレーズ単位でのヤマはどの音に来ているのか
・伴奏形などにどのようなリズムが使われているのか、それが前後のリズムと関係あるのか

 

・おわらない音楽 私の履歴書　著：小澤征爾 / 日本経済新聞出版

 

 

 

 

 

 

‣ 23. 音の遠近感：音楽の空間演出

 

ピアノ作品に限らず、fp という表現は度々用いられていますが、「音が大きいか、小さいか」で表現するのみでなく、その表現が出てきた意味を考えることも大切です。

楽曲によって fp には様々な意図がありますが、「遠近感を出すため」と考えると楽曲のイメージとマッチすることはよくあります。つまり、「 f で一瞬音像の近づいた表現がされ、p では遠いところで鳴っている表現になる」これが瞬時に行われるので、一瞬の音像の移行を立体的な表現として感じることができるのです。

 

少し、遠近感そのものについて話をしましょう。

オーケストラでは：

・各楽器の奏者が座っている位置の違い
・楽器ごとの音色の違い

などをはじめとして、あらゆる要素で遠近感を表現可能。

一方、ピアノでは：

・ピアノが置かれているその位置は、原則変えられない
・ピアノという、一つの楽器が出せる音の中での音色幅

を前提として遠近感を表現していかないといけません。

 

したがって、「打鍵の仕方」「ペダリング」などの限られたテクニックで音色をコントロールしていくことになります。オーケストラよりも遠近感を出すための制約があり、一人の奏者が「遠」も「近」も表現しなくてはいけません。

だからこそ、ピアノ演奏では特に遠近感をイメージすること自体が大切になってくるのです。

そのイメージを持っていると “無意識に” 音の出し方にコントロールが生まれるからです。

イメージがないところには距離感は生まれません。生まれたとしても、もう一度弾いた時に再現性がありません。

 

► C. 応用視点

‣ 24. 効率良い譜読みは、グルーピングの発見に限る

 

・楽曲のことを深く読み取り、ペダリングや運指を決めていく
・概ね弾ける段階まで持っていけるように、指の動きを覚えていく

こういった譜読みの過程で必要なことはたくさんありますが、そのうち外せないのが「グルーピングの発見」に注力することです。

 

いくつか具体例を見てみましょう。

 

【例1】

ショパン「エチュード（練習曲）ハ短調 Op.10-12 革命」

譜例（PD楽曲、Finaleで作成、曲頭）

ショパンによるこれらのアクセント記号もグルーピングの一種。これらがあることで、同じ形が繰り返されていることが容易に分かり、グループ単位での運指を簡単に決定できます。

別の場面や別の楽曲でアクセント記号が書かれていないところでも、音楽内容がどのようにグルーピングされているのかを音型の連なりから読み取らないといけません。